La idea para mi proyecto final es expresar con una forma visual todas mis sensaciones y emociones, y quizá algunas opiniones de compañeros artesanos, artistas, grafiteros sobre sus experiencias y si ellos ligan como yo o tienen mas marcadas las diferencias, estas tres disciplinas que conviven en mi espacio: Arte, Artesania y Graffiti, es por eso que decidí ponerle el nombre de ¨Las diferencias y conexiones entre Arte, Artesania y Graffiti¨.
Mi andar por los caminos de estas tres disciplinas me ha dado muchas satisfacciones en mi existencia, así que yo la percibo como una fusión, parecida a mi creencia de que con un equilibrio en mi cuerpo, mente y espíritu obtengo buena energía, así creo que en el equilibrio entre estas tres disciplinas en mi vida, tendré una buena manifestación artística y obtendré un estilo.
Así que este proyecto es mostrar parte de mi experiencia en mi búsqueda para mantener este equilibrio de estos 3 mundos diferentes pero con muchas conexiones entre elle en mi universo.
KibRay SckROtS!! EK ¡¡
martes, 2 de junio de 2015
jueves, 19 de marzo de 2015
Reflexión sobre uso de planos y campos así como de los movimientos de la cámara para la creación de un lenguaje de las imágenes en movimiento.
El uso de los planos me parece tan parecido al dibujo ya que hay que construir una imagen, donde atrapamos el tiempo, tamaños y ángulos de nuestra imagen que antes ya la habíamos pensado con una composición.
Ya que por estas imágenes en movimiento guiaremos al espectador para lograr que se identifique con nuestros personajes , proyectando sus sentimientos y emociones, como si fueran sus propias actitudes.
Dependiendo de lo que queremos representar en el espacio es como elegimos con que plano vamos a trabajar ; ya que cada plano tiene un efecto sobre el espectador, por ejemplo el gran plano general, el efecto que causa es la figura humana en su interior es pequeña, como un naufrago en una playa, o evoca soledad, fatalidad.
Ahora que estoy leyendo sobre los planos y campos, y los movimientos de la cámara, son herramientas muy indispensables en nuestro vídeo, si queremos que el espectador viva la locura que estamos manifestando a través de varias imágenes en movimiento.
Con buena técnica obtengo una gran grabación.
Me parece maravilloso jugar con la angulacion de la cámara según las sensaciones que quieres moverle al espectador, es el poder dominar sus emociones por medio de los movimientos de la cámara.
Es increíble toda la fuerza que le puedes dar a una imagen utilizando elementos de composición en un plano, una vez mas jugar con la luz obteniendo imágenes con fabulosos contrastes con la luz directa, o con la luz lateral dar la sensación de volumen, otra manera de obtener imágenes con la luz pero gesta vez imágenes en movimiento.
El encuadre lo doy eligiendo un espacio concreto que quiero para mi imagen y eliminando lo que no me funciona, de igual manera los movimientos de la cámara me darán diferentes efectos para introducir al espectador en el sentir del vídeo, con la cámara fija, se logra la concentración del espectador.
Los campos van actuando como espacios imaginarios en un encuadre y es así como yo también debo imaginar lo que quiero expresar y como acomodarlo utilizando estos espacios.
Ya iré integrando este lenguaje en el vídeo de mi proyecto final, ya no grabare sin intención de mover emociones ahora a eso me dedicare.
La película donde he sido bombardeada visualmente con planos, campos y movimientos de cámara es la de ...
Rumble fish del director Francis Ford Coppola
Ya que por estas imágenes en movimiento guiaremos al espectador para lograr que se identifique con nuestros personajes , proyectando sus sentimientos y emociones, como si fueran sus propias actitudes.
Dependiendo de lo que queremos representar en el espacio es como elegimos con que plano vamos a trabajar ; ya que cada plano tiene un efecto sobre el espectador, por ejemplo el gran plano general, el efecto que causa es la figura humana en su interior es pequeña, como un naufrago en una playa, o evoca soledad, fatalidad.
Ahora que estoy leyendo sobre los planos y campos, y los movimientos de la cámara, son herramientas muy indispensables en nuestro vídeo, si queremos que el espectador viva la locura que estamos manifestando a través de varias imágenes en movimiento.
Con buena técnica obtengo una gran grabación.
Me parece maravilloso jugar con la angulacion de la cámara según las sensaciones que quieres moverle al espectador, es el poder dominar sus emociones por medio de los movimientos de la cámara.
Es increíble toda la fuerza que le puedes dar a una imagen utilizando elementos de composición en un plano, una vez mas jugar con la luz obteniendo imágenes con fabulosos contrastes con la luz directa, o con la luz lateral dar la sensación de volumen, otra manera de obtener imágenes con la luz pero gesta vez imágenes en movimiento.
El encuadre lo doy eligiendo un espacio concreto que quiero para mi imagen y eliminando lo que no me funciona, de igual manera los movimientos de la cámara me darán diferentes efectos para introducir al espectador en el sentir del vídeo, con la cámara fija, se logra la concentración del espectador.
Los campos van actuando como espacios imaginarios en un encuadre y es así como yo también debo imaginar lo que quiero expresar y como acomodarlo utilizando estos espacios.
Ya iré integrando este lenguaje en el vídeo de mi proyecto final, ya no grabare sin intención de mover emociones ahora a eso me dedicare.
La película donde he sido bombardeada visualmente con planos, campos y movimientos de cámara es la de ...
Rumble fish del director Francis Ford Coppola
jueves, 12 de marzo de 2015
reflexión del inicio del lenguaje de las imágenes en movimiento.
Inicio del lenguaje de las imágenes en movimiento.
Al hablar del lenguaje de las imágenes en movimiento es hacer referencia David W. Griffith, ya que lo que hace es consolidar logros anteriores:
El primer plano o plano detalle , para dar mayor énfasis y dramatismo, el encadenado, el flashback, los montajes-alternante, paralelo, invertido, la iluminación, los movimientos de masas que uso en la película "El nacimiento de una nación".
Durante este periodo estudia y analiza las aportaciones del cine europeo y del director americano Portero.
Griffith se atribuye el empleo por primera vez de recursos narrativos como el primer plano, el flashback, el fundido en negro, el uso de rótulos, etc.
Creador del lenguaje cinematográfico, dividía el film en secuencias , mostraba acciones alternantes, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara.
Pues me parece importante e interesante el conocer este lenguaje ya que así podemos utilizar estas herramientas para la elaboración de nuestra idea que queremos llevar al video, este lenguaje es la clave para poder expresar tus locuras e integrar a los espectadores en este ambiente.
Al pensar en un film de Edison, o de los hermanos lumiere difícilmente era viajar en aquel lugar creo que el desdplazamiento de la vídeo cámara es llevar l espectador al ambiente que haz creado.
Otra locura del inicio del lenguaje que me llamo la atención fue la de la yuxtaposición de imagenes, y una vez mas descubro que Griffith fue quien introdujo todos los conceptos básicos del montaje cinematográfico.
Desarrollo el montaje de continuidad construyendo y controlando de esa forma la narración y el tiempo emocional de la pelicula.
Montaje paralelo para integrar los elementos de la narración y también para crear suspenso.
Desgliso escenas individuales utilizando una serie de planos, utilizando una serie de planos desde distintos ángulos y distancias, controlando de esa manera el centro de atención y el énfasis, dramatizando el punto de vista y evitando el aburrimiento. Y yuxtapuso planos y secuencias para sugerir significados temáticos y simbolicos.
Los rusos, utilizando a Griffith como modelo, fueron mas allá en el ámbito del montaje que Einstein, para quien el montaje era mas analítico y dialéctico, mas dinámico y emocional.
Me parece muy importante practicar esta información con la vídeo cámara, analizar lo que estoy grabando , y por el momento creo que es suficiente información para entrar le a esta locura del lenguaje de las imágenes en movimiento y así lograr expresar y hacer sentir e imaginar al espectador.
Al hablar del lenguaje de las imágenes en movimiento es hacer referencia David W. Griffith, ya que lo que hace es consolidar logros anteriores:
El primer plano o plano detalle , para dar mayor énfasis y dramatismo, el encadenado, el flashback, los montajes-alternante, paralelo, invertido, la iluminación, los movimientos de masas que uso en la película "El nacimiento de una nación".
Durante este periodo estudia y analiza las aportaciones del cine europeo y del director americano Portero.
Griffith se atribuye el empleo por primera vez de recursos narrativos como el primer plano, el flashback, el fundido en negro, el uso de rótulos, etc.
Creador del lenguaje cinematográfico, dividía el film en secuencias , mostraba acciones alternantes, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara.
Pues me parece importante e interesante el conocer este lenguaje ya que así podemos utilizar estas herramientas para la elaboración de nuestra idea que queremos llevar al video, este lenguaje es la clave para poder expresar tus locuras e integrar a los espectadores en este ambiente.
Al pensar en un film de Edison, o de los hermanos lumiere difícilmente era viajar en aquel lugar creo que el desdplazamiento de la vídeo cámara es llevar l espectador al ambiente que haz creado.
Otra locura del inicio del lenguaje que me llamo la atención fue la de la yuxtaposición de imagenes, y una vez mas descubro que Griffith fue quien introdujo todos los conceptos básicos del montaje cinematográfico.
Desarrollo el montaje de continuidad construyendo y controlando de esa forma la narración y el tiempo emocional de la pelicula.
Montaje paralelo para integrar los elementos de la narración y también para crear suspenso.
Desgliso escenas individuales utilizando una serie de planos, utilizando una serie de planos desde distintos ángulos y distancias, controlando de esa manera el centro de atención y el énfasis, dramatizando el punto de vista y evitando el aburrimiento. Y yuxtapuso planos y secuencias para sugerir significados temáticos y simbolicos.
Los rusos, utilizando a Griffith como modelo, fueron mas allá en el ámbito del montaje que Einstein, para quien el montaje era mas analítico y dialéctico, mas dinámico y emocional.
Me parece muy importante practicar esta información con la vídeo cámara, analizar lo que estoy grabando , y por el momento creo que es suficiente información para entrar le a esta locura del lenguaje de las imágenes en movimiento y así lograr expresar y hacer sentir e imaginar al espectador.
miércoles, 25 de febrero de 2015
la historia de Lisboa wim wender
Me gusto mucho esta pelicula, aunque hubo un momento donde me desespere mucho, quizá de la ansiedad de querer saber donde estaba o que pasaba con Friedich.
Me ha costado un poco entender las peliculas, pero emocionalmente me han movido y viajado al momento en cada segundo.
Esta película me pareció fabulosa por su musica.
Una ciudad que me causo ansiedad, locura, curiosidad, me hizo cuestionarme muchas razones pero me encanto ese lugar, creo que el director capto la esencia del espacio cotidiano de Lisboa.
Poco a poco me voy familiarizando y espero adquirir una buena mirada cinematográfica y lograr expresar mis ideas a través de la vídeo cámara.
El personaje de Phillip me gusto mucho, fue maravillosa su actuación, me hizo recordar cuando vivía en Acapulco, quizá el como se adapta uno a un nuevo lugar donde llegas a vivir.
El viaje en su carro es tan divertido, todo lo que le pasa para poder llegar a Lisboa , y de verdad me recordó lo que me ha pasado con mi carro, creo que sentí mucho la película, siento que viaje a Lisboa.
Phillip graba todo lo que va reflexionando mientras va por la carretera.
Una de mis partes favoritas es donde
Phillip les muestra los sonidos a los niños y ellos empiezan a adivinar a que pertenece cada sonido y donde se dedica a recolectar los sonidos que necesita la película de Friedrich.
Me pareció muy loco ver esta película pues creo que me ha ayudado para empezar a realizar mi vídeo, una gran película de fusión entre sonido e imágenes.
El lugar, los actores, la historia, son geniales.
Me ha costado un poco entender las peliculas, pero emocionalmente me han movido y viajado al momento en cada segundo.
Esta película me pareció fabulosa por su musica.
Una ciudad que me causo ansiedad, locura, curiosidad, me hizo cuestionarme muchas razones pero me encanto ese lugar, creo que el director capto la esencia del espacio cotidiano de Lisboa.
Poco a poco me voy familiarizando y espero adquirir una buena mirada cinematográfica y lograr expresar mis ideas a través de la vídeo cámara.
El personaje de Phillip me gusto mucho, fue maravillosa su actuación, me hizo recordar cuando vivía en Acapulco, quizá el como se adapta uno a un nuevo lugar donde llegas a vivir.
El viaje en su carro es tan divertido, todo lo que le pasa para poder llegar a Lisboa , y de verdad me recordó lo que me ha pasado con mi carro, creo que sentí mucho la película, siento que viaje a Lisboa.
Phillip graba todo lo que va reflexionando mientras va por la carretera.
Una de mis partes favoritas es donde
Phillip les muestra los sonidos a los niños y ellos empiezan a adivinar a que pertenece cada sonido y donde se dedica a recolectar los sonidos que necesita la película de Friedrich.
Me pareció muy loco ver esta película pues creo que me ha ayudado para empezar a realizar mi vídeo, una gran película de fusión entre sonido e imágenes.
El lugar, los actores, la historia, son geniales.
domingo, 22 de febrero de 2015
EVOLUCIÓN DEL VIDEO. DE LA INMOVILIAD A LA PORTABILIDAD
Esta magistral nos la dio el profesor Andrea Dicastro donde nos mostró diferentes cámaras de vídeo y nos platico que en el cine son 2 formatos, y del primer formato analogico basado en película 16 mm, 8 mm y súper 8.
Características de los formatos cinematográficos
Super-8 es un formato cinematográfico que utiliza película de 8mm de ancho, se trata de una evolución del formato doble 8.
ESTe formato de cine fue lanzado por eastman kodak en 1932, fue llamado "cine kodak eight" u "8 estandar" . fue puesto en el mercado para uso domestico para poner al alcance de una clase acomodada hacer películas FAMILIARES.
Sus desventajas son las fallas, tiempo, duración, ya no hay película.
El formato 16 mm fue introducido por Eastman Kodak, en 1923.
Era una alternativa economíca al formato convencional de 35 mm.
Sus ventajas de este formato son que tiene negativo, todavía hay película, y se puede tener el negativo para mas copias.
Debían tener clara la idea de lo que se iba a hacer.
Los filmes de 16 mm fueron muy empleados durante la Segunda Guerra Mundial.
En los años cincuenta y sesenta fueron filmadas en este formato varias películas gubernamentales, de negocios y sobre medicina.
Rollo de 100 pies 24 cuadros por segundo.
Se fabricaron cámaras de 200 pies y posteriormente
De 400 pies, este es el máximo.
A mediados de los sesentas se fabrico el cortapack en blanco y negro.
En los años ochentas los noticieros usaban el formato de 3 k de pulgada y luego se llamo Matik, aumenta la definición del material.
Ventajas: estabilidad, sólidos, son cámaras que se manejan con una sola mano.
En los años setentas se liberaba la pelicula , grababa sonido, no manda as a revelar, veías la película, llegaba la idea de la portabilidad.
Los artistas no podían expresar la textura, pues la resolución los obligo, atrapaban el espacio en tiempo real.
La desventaja la fragilidad de la cinta y requerían de mucha iluminación.
"El vídeo en todas partes".
Oportunidades expresivas de cada uno de los aparatos definidos para imágenes en movimiento.
Campo conceptual.
Apreciación de color, la textura y la forma, había mas exigencias con el equipo.
Original de cámara, idea parecida al negativo de fotografía analógica.
720x480
1280x720 mayor resolución
Las texturas se pueden ver.
1920x1080
El sensor grande requiere lentes mas grandes, foco mas separado en los planos.
XDCAM. Se puede tener el material en un archivo, cámara sólida, alta definición.
HD. Decidir como manejar negros y blancos
Cámara DX 1
Cada uno tiene un sensor, mas preciso al colorido , después se mezclan electrónicamente .
Mas oportunidades de manejo en la imagen.
El tripie para vídeo cámara es diferente ya que tiene un sistema de burbuja que permite ajustar el tripie en forma inmediata.
Bettacam
Sistema de grabación externo
Utilizar el uso del color, manejar la cámara
Fijarse en los detalles para tener calidad que impresione.
Ando pensando en comprar una vídeo cámara para buscar expresarme y divertirme con este universo del vídeo, esta magistral me sirvió para sabver tomar una buena decisión al adquirir una.
jueves, 19 de febrero de 2015
Ensayo comparativo y reflexión sobre la obra cinematográfica de los hermanos Lumiere, Georges Melies y Edison.
Pues primero que nada empezaré por la reflexión entre los hermanos lumiere y Thomas Alva Edison.
En como los hermanos lumiere se inspiraron en el kinetoscopio de Edison, pero para los hermanos lumiere la mayoría de sus problemas técnicos ya estaban resueltos, la proyección de sus películas era en grandes espacios.
La película de Edison "la salida de la fabrica" creó que utilizan un plano con personajes enteros, no me parece que exista una narrativa.
En cambio Georges Melies me parece que tiene un guión, donde la ventaja que tiene es que dice que con este medio puede grabar cosas.
Las películas de Edison y los hermanos lumiere tienen mayor vinculación con la realidad, en cambio Melies siento que utiliza este medio de expresión para expresar otra realidad, para viajar te con ilusiones.
Con Melies me parece loquisima su película de viaje a la luna ya la he visto varias veces y de verdad me parece increible como integra lo teatral a su película, utiliza múltiples exposiciones en su film.
Melies estaba muy interesado en el lenguaje cinematográfico, utiliza planos fijos sin tener movimientos de cámara.
De estos tres grandes iniciadores del cine creo que me llamo mas la atención el trabajo de Georges Melies quizá por la magia en sus películas.
Los hermanos lumiere se consideraron iniciadores del cine documental, donde ellos atraparon una acción, en cambio Edison siento que tiene la utilización de La puesta en escenas del espectáculo como peleas de gallos, de box.
Por el momento es toda la reflexión que he tenido pero seguiré analizando e investigando sobre estos 3 fabulosos y sus grandes obras cinematográficas.
Otra reflexion es que los hermanos Lumiere proyectaban una realidad familiar, sus films tenían una lógica natural de sucesión de hechos.
George Melies me parece fabuloso ya que sus films cuentan con una historia y emplea recursos del teatro .
Melies es un verdadero creador del espectáculo cinematografico, se dedica a hacer trucos utilizando la sobreimpresión, utilizo la exposición doble o múltiple, además adapto al cine las maquetas.
Melies utiliza guión, actores, escenografía, maquillaje, división en escenas, no emplea nunca la edición con cambio de planos, crea lo fantástico.
Pues primero que nada empezaré por la reflexión entre los hermanos lumiere y Thomas Alva Edison.
En como los hermanos lumiere se inspiraron en el kinetoscopio de Edison, pero para los hermanos lumiere la mayoría de sus problemas técnicos ya estaban resueltos, la proyección de sus películas era en grandes espacios.
La película de Edison "la salida de la fabrica" creó que utilizan un plano con personajes enteros, no me parece que exista una narrativa.
En cambio Georges Melies me parece que tiene un guión, donde la ventaja que tiene es que dice que con este medio puede grabar cosas.
Las películas de Edison y los hermanos lumiere tienen mayor vinculación con la realidad, en cambio Melies siento que utiliza este medio de expresión para expresar otra realidad, para viajar te con ilusiones.
Con Melies me parece loquisima su película de viaje a la luna ya la he visto varias veces y de verdad me parece increible como integra lo teatral a su película, utiliza múltiples exposiciones en su film.
Melies estaba muy interesado en el lenguaje cinematográfico, utiliza planos fijos sin tener movimientos de cámara.
De estos tres grandes iniciadores del cine creo que me llamo mas la atención el trabajo de Georges Melies quizá por la magia en sus películas.
Los hermanos lumiere se consideraron iniciadores del cine documental, donde ellos atraparon una acción, en cambio Edison siento que tiene la utilización de La puesta en escenas del espectáculo como peleas de gallos, de box.
Por el momento es toda la reflexión que he tenido pero seguiré analizando e investigando sobre estos 3 fabulosos y sus grandes obras cinematográficas.
Otra reflexion es que los hermanos Lumiere proyectaban una realidad familiar, sus films tenían una lógica natural de sucesión de hechos.
George Melies me parece fabuloso ya que sus films cuentan con una historia y emplea recursos del teatro .
Melies es un verdadero creador del espectáculo cinematografico, se dedica a hacer trucos utilizando la sobreimpresión, utilizo la exposición doble o múltiple, además adapto al cine las maquetas.
Melies utiliza guión, actores, escenografía, maquillaje, división en escenas, no emplea nunca la edición con cambio de planos, crea lo fantástico.
miércoles, 18 de febrero de 2015
"the man with the movie camera" Dziga Vertov
La película "The man with the movie camera" me ha dado demasiadas ideas para la obtención de imágenes en movimiento, y como dijo el profesor Andrea para agarrar mi cámara y salir a la calle.
Después de que ya la he visto dos veces, he tratado de ir buscando rincones por la ciudad, hoy por el camino encontre lo que llamo "zona de obtención de imágenes".
Después de que ya la he visto dos veces, he tratado de ir buscando rincones por la ciudad, hoy por el camino encontre lo que llamo "zona de obtención de imágenes".
Una de las imágenes que mas se quedaron en mi mente es la del hombre de la cámara esta parado sobre una cámara gigante, después supe que Vertov emplea recursos interesantes como la división de la pantalla en dos secciones distintas que produce una imagen fabulosa como esta,.
Cuando las sillas del teatro están moviendose a cierto ritmo, la verdad disfrute mucho de esta imagen tanto que reí mucho.
Esta película me saturo de ideas con ayuda de tan fabulosas imágenes y tambien los lugares donde realizo estas.
Me encantan las diferentes velocidades que tiene la pelicula, también percibí que hay muchas imágenes de forma y recordé el ejercicio que hice en fotografía en primer semestre.
Otras imágenes que se me quedaron en mi mente son donde aparecen siluetas de las personas o como ahora les digo "teatro de sombras".
Otra imagen increíble es la captada debajo del tren, donde tuve sensaciones increíbles desde miedo hasta adrenalina por encontrarme debajo de un tren, fue genial esa escena me sentí parte de la película.
Creo que la película te da la sensacion de ser parte de la vista expandida por la cámara de aquél hombre tan obsesivo con la obtención de miles de imágenes de la vida cotidiana y sus pequeños detalles.
Me dio una locura por ir a los talleres de la escuela de artesanias y obtener imágenes loquisimas de los lugares mas ocultos, y jugando con la velocidad de las imágenes hacer una comparativa entre un artesano de producción masiva y una máquina.
Esta película me hizo reflexionar en todas las limitantes que yo me ponía y como ahora me di cuenta de las miles de posibilidades de expresión.
jueves, 12 de febrero de 2015
KOYAANISQATSI, Life out of balance (1982) Godfrey Reggio
Fue una locura esta película, mis emociones fueron las mas afectadas, era todo un licuado de variadas emociones y con cambios muy violentos, de sentirme relajada con algunas imágenes, con otras generado ideas, miedo, ansiedad y lo mejor realmente sentir el lugar que me mostraba la película.
El sonido de la película es realmente fabuloso, mi mente me mando miles de imágenes, estuve escuchando un poco el soundtrack mientras hacía serigrafía y de verdad experimente locura, ya que muchas veces me aburro de la imagen que imprimo cantidad de veces, esta vez la experiencia fue completamente diferente, y así después de este viaje en el sonido y de una larga reflexión de que el sonido es tan importante como la imagen, y lo mejor, encontrar esta conexión entre estas dos.
Recuerdo varias imágenes pero, quizá la que mas me gusto es donde hay mayor velocidad, tanto en el movimiento de la gente como el de las luces de los carros que se ven como líneas trazadas con colores fuera de la realidad, colores de luz, la música llevándote a esa velocidad.
Esta película me ayudo visualmente a generar las ideas para el ejercicio de obtención de 300 imágenes para darles movimiento con el programa de after effects, donde creo que es muy parecido mi resultado final a lo que imaginaba mientras veía esta locura de KOYAANISQATSI.
viernes, 6 de febrero de 2015
influencia de los experimentos pre-cinematograficos en los diferentes movimientos artístico desde el 1900 al arte contemporáneo
Empezaré por decir que los trabajos de Muybridge y Marey me han alocado demasiado con sus fantásticos juguetes ópticos, quizá mi favorito el zootropo.
Ahora ando en el proceso de una pieza, bueno no solo yo, mi compañero Ulises Durero y un compañero de artesanias se subieron a este viaje conmigo, un zootropo de cerámica y utilizar calcomanía cerámica.
Toda esta idea surgió por querer juntar estos fabulosos juguetes con la estampa, como es mi costumbre hacerlo, se me hace una forma divertida de aprender sobre las imágenes en movimiento , hacer un propio estudio, para aterrizar mas ideas.
Hoy el profesor Andrea menciono que podemos hacer cine sin usar una camara de vídeo, y quizá la idea del zootropo es una herramienta sensacional, no se y así se me ocurre experimentar mas y mas, y esto me da mas ideas para modificar el proyecto del zootropo de cerámica.
Ahora también se que con la cámara también puedo obtener imágenes en movimiento, es nuevo para mi todo esto y me emociona tome 300 fotos y al rato Aprenderé a producir after effects.
Aun sigo reflexionando y generando ideas, creando locuras, me puse a investigar sobredlas técnicas de Jules Marey como la del método grafico que consiste en registrar sobre papel o negativo lo que actúa sobre los sujetos que están en movimiento.
Con la cronofotografia deja plasmada la huella del movimiento.
Esta técnica también fue utilizada por Muybridge en sus investigaciones, hizo una cámara de cronofotografia. Esta era de placa fija y tenia un obturador con el cual podía controlar el tiempo.
Ando reflexionando en el ejercicio de las 300 fotos y me parece una forma importante para hacer un estudio de movimiento, y en lo que realize un estudio a la luz del sol al amanecer y como el exposímetro va cambiando, hasta al segundo día obtuve mis imágenes, ya que comprendí donde colocar el exposímetro.
Toda una aventura estudiar luz,color y movimiento .
Ya en serio, empezaré hablando de uno que se ha vuelto mi inspiración para encontrarle a esta locura del vídeo, me había tardado en reflexionar la verdadera temática del ensayo, me ha ayudado mucho repetir las películas, laS veces que sean necesarias para aprender a analizar, y tomar decisiones en el vídeo , incluso recordé cuando hace años grababa vídeo mientras hacia graffitti junto con mi "crew" y era divertidisimo ya que hubo un tiempo donde la cámara no servía derl sonido y nos expresa amos con gestos e incluso escribíamos en papeles; y es así como toda esta información empieza a fluir por mi ser.
Ya me soñé grabando, así que ya le estoy entrando con todo, y bueno regresando al fabuloso Melies, quien esta influyendo en mi, fue influenciado con la técnica d ella doble exposición.
Como siempre leer sobre una técnica de expresión visual me pone a investigar y encontré que la doble exposición consiste en cubrir una parte del negativo al retratar a los vivos, y revelar después el rostro de un supuesto fantasma en el espacio previamente velado. Por otro lado, los retoques manuales y algún artesanal fotomontaje te trasladaban a un ambiente misterioso.
La aparición en 1820 de la lampara de calcio había propiciado efectos teatrales de grandes pretensiones, como los desarrollados por el holandés Robín en su teatro parisino o los del Real Instituto Politécnico de Londres, complementados estos últimos con laminas de vidrio que permitían combinar espectros y actores reales en una misma representación.
Este desarrollo técnico es debido en gran medida a un ingeniero, Henry Dircks, que hacia 1864 describió la manera de simular fantasmas en escena gracias a un vidrio dispuesto con una inclinación de 45 grados, que reflejaba una imagen perfilada con la linterna mágica desde un punto oculto bajo el escenario.
Al haberme llamado la atención esta técnica busque un artista contemporáneo que la utilizara y me encontré con Christoffer Relander , fotógrafo de profesión, ha tomado a la fotografía de doble exposición como eje de su arte.
La fotografía de Relander son siluetas de seres humanos o animales.
Ahora ando en el proceso de una pieza, bueno no solo yo, mi compañero Ulises Durero y un compañero de artesanias se subieron a este viaje conmigo, un zootropo de cerámica y utilizar calcomanía cerámica.
Toda esta idea surgió por querer juntar estos fabulosos juguetes con la estampa, como es mi costumbre hacerlo, se me hace una forma divertida de aprender sobre las imágenes en movimiento , hacer un propio estudio, para aterrizar mas ideas.
Hoy el profesor Andrea menciono que podemos hacer cine sin usar una camara de vídeo, y quizá la idea del zootropo es una herramienta sensacional, no se y así se me ocurre experimentar mas y mas, y esto me da mas ideas para modificar el proyecto del zootropo de cerámica.
Ahora también se que con la cámara también puedo obtener imágenes en movimiento, es nuevo para mi todo esto y me emociona tome 300 fotos y al rato Aprenderé a producir after effects.
Aun sigo reflexionando y generando ideas, creando locuras, me puse a investigar sobredlas técnicas de Jules Marey como la del método grafico que consiste en registrar sobre papel o negativo lo que actúa sobre los sujetos que están en movimiento.
Con la cronofotografia deja plasmada la huella del movimiento.
Esta técnica también fue utilizada por Muybridge en sus investigaciones, hizo una cámara de cronofotografia. Esta era de placa fija y tenia un obturador con el cual podía controlar el tiempo.
Ando reflexionando en el ejercicio de las 300 fotos y me parece una forma importante para hacer un estudio de movimiento, y en lo que realize un estudio a la luz del sol al amanecer y como el exposímetro va cambiando, hasta al segundo día obtuve mis imágenes, ya que comprendí donde colocar el exposímetro.
Toda una aventura estudiar luz,color y movimiento .
Ya en serio, empezaré hablando de uno que se ha vuelto mi inspiración para encontrarle a esta locura del vídeo, me había tardado en reflexionar la verdadera temática del ensayo, me ha ayudado mucho repetir las películas, laS veces que sean necesarias para aprender a analizar, y tomar decisiones en el vídeo , incluso recordé cuando hace años grababa vídeo mientras hacia graffitti junto con mi "crew" y era divertidisimo ya que hubo un tiempo donde la cámara no servía derl sonido y nos expresa amos con gestos e incluso escribíamos en papeles; y es así como toda esta información empieza a fluir por mi ser.
Ya me soñé grabando, así que ya le estoy entrando con todo, y bueno regresando al fabuloso Melies, quien esta influyendo en mi, fue influenciado con la técnica d ella doble exposición.
Como siempre leer sobre una técnica de expresión visual me pone a investigar y encontré que la doble exposición consiste en cubrir una parte del negativo al retratar a los vivos, y revelar después el rostro de un supuesto fantasma en el espacio previamente velado. Por otro lado, los retoques manuales y algún artesanal fotomontaje te trasladaban a un ambiente misterioso.
La aparición en 1820 de la lampara de calcio había propiciado efectos teatrales de grandes pretensiones, como los desarrollados por el holandés Robín en su teatro parisino o los del Real Instituto Politécnico de Londres, complementados estos últimos con laminas de vidrio que permitían combinar espectros y actores reales en una misma representación.
Este desarrollo técnico es debido en gran medida a un ingeniero, Henry Dircks, que hacia 1864 describió la manera de simular fantasmas en escena gracias a un vidrio dispuesto con una inclinación de 45 grados, que reflejaba una imagen perfilada con la linterna mágica desde un punto oculto bajo el escenario.
Al haberme llamado la atención esta técnica busque un artista contemporáneo que la utilizara y me encontré con Christoffer Relander , fotógrafo de profesión, ha tomado a la fotografía de doble exposición como eje de su arte.
La fotografía de Relander son siluetas de seres humanos o animales.
jueves, 29 de enero de 2015
diferencia entre cámara oscura y cámara lúcida
En base a la investigación que realice sobre la cámara lúcida y la oscura creo que la principal diferencia es como están construidos, pero también una principal similitud entre estas cámaras es que fueron utilizadas para cubrir las necesidades de artistas y dibujantes.
La cámara oscura consiste en una caja que proyecta en la pared opuesta la imagen del exterior mientras que la cámara lúcida solo es un pequeño prisma, realiza una superposición óptica del tema que se esta observando y del soporte en el que el artista esta dibujando.
En la cámara oscura es como estar dibujando en la oscuridad y en la cámara oscura es dibujar con la luz, esta frase me puso a reflexionar en otra gran diferencia, aunque en realidad yo decidiría trabajar con la cámara lúcida por diferentes razones, una de ellas siento que la puedo transportar a cualquier lugar porque la proyección de la imagen sera sobre el soporte que estoy utilizando, en cambio la cámara oscura creo que es necesario contar con un muro para poder proyectar las imágenes.
Y es por estas imágenes donde llego a la conclusión que es mas practico ir a dibujar a la calle con una cámara lúcida que con una cámara oscura.
La cámara oscura fue utilizada por astrónomos para la observación de fenómenos solares.
Leonardo Da Vinci utilizo la cámara oscura, eso me recuerda mucho de cuando hago uso de un proyector para poder marcar el dibujo sobre una pared o un soporte pegado a la pared.
La cámara lúcida me recuerda tanto a un instrumento que utilizaba cuando tenia 5 años para dibujar lo que se me dificultaba llamado pantógrafo que es un mecanismo articulado basado en las propiedades de los paralelogramos; este instrumento dispone de unas varillas conectadas de tal manera que se pueden mover respecto de un punto fijo (pivote). Tanto con esta herramienta como con la cámara lúcida a la gente le facilita dibujar una perspectiva.
Me parecen interesantes como estas 2 herramientas ópticas te dan esta oportunidad de experimentar para la obtención de una gran variedad de imagenes para convertirlas en estampa o cianotipia, ya que creo que la cámara oscura es mas para una imagen que te remita a la fotografía y la cámara lúcida anda mas por el lado de pintura y dibujo.
Esta investigación no solo me hizo reflexionar las diferencias si no en este universo de técnicas antiguas de fotografía que siento que son el complemento con mi carrera que es la estampa.
La cámara oscura consiste en una caja que proyecta en la pared opuesta la imagen del exterior mientras que la cámara lúcida solo es un pequeño prisma, realiza una superposición óptica del tema que se esta observando y del soporte en el que el artista esta dibujando.
En la cámara oscura es como estar dibujando en la oscuridad y en la cámara oscura es dibujar con la luz, esta frase me puso a reflexionar en otra gran diferencia, aunque en realidad yo decidiría trabajar con la cámara lúcida por diferentes razones, una de ellas siento que la puedo transportar a cualquier lugar porque la proyección de la imagen sera sobre el soporte que estoy utilizando, en cambio la cámara oscura creo que es necesario contar con un muro para poder proyectar las imágenes.
Y es por estas imágenes donde llego a la conclusión que es mas practico ir a dibujar a la calle con una cámara lúcida que con una cámara oscura.
La cámara oscura fue utilizada por astrónomos para la observación de fenómenos solares.
Leonardo Da Vinci utilizo la cámara oscura, eso me recuerda mucho de cuando hago uso de un proyector para poder marcar el dibujo sobre una pared o un soporte pegado a la pared.
Me parecen interesantes como estas 2 herramientas ópticas te dan esta oportunidad de experimentar para la obtención de una gran variedad de imagenes para convertirlas en estampa o cianotipia, ya que creo que la cámara oscura es mas para una imagen que te remita a la fotografía y la cámara lúcida anda mas por el lado de pintura y dibujo.
Esta investigación no solo me hizo reflexionar las diferencias si no en este universo de técnicas antiguas de fotografía que siento que son el complemento con mi carrera que es la estampa.
lunes, 26 de enero de 2015
expectativas para mi curso de estampa, imágenes y movimiento
Estoy muy emocionada con este curso de "Imágenes y movimiento" y llena de expectativas, muy ansiosa por conocer las técnicas para el desarrollo de imágenes y así obtener mas posibilidades expresivas.
Me parece muy importante aprender a obtener imágenes, porque creo que la imagen es la base para estampar, hacer una animación, pintar, dibujar, esculpir.
Creo que la imagen se ha convertido parte de mi vida ya que con ella obtengo estampas, fotografías, etc., pero me gustaría aprender como saber que imagen aplicar con cada técnica.
Los antecedentes de imágenes en movimiento me despertó mucho interés ya que cuando escuche que el profesor menciono que el "teatro de sombras" que es un antecedente del esténcil; ya que es una técnica que aprendí y ahora es parte de mi tesis para la Escuela de Artesanías.
La tesis se trata del estarcido llamado también esténcil del inglés stencil, en francés se conoce como la técnica del "pochoir".
Es una técnica de impresión directo por estampado a través de una plantilla, puede ser sobre tela, papel y en la pared obteniendo con esto una imagen sobre un sustrato por transferencia.
El estarcido fue utilizada desde la antigüedad por China y Japón, originalmente usando cabellos humanos entrelazados, adheridos a siluetas de papel para construir un modelo portátil con un diseño aplicado directamente en forma serial al tejido, paredes, techos y de forma comercial, como instrumento para marcar embalajes.
Como artista visual mi expectativa en este curso es aprender muchas técnicas para aplicar en la elaboración de piezas artísticas. También espero adquirir la información suficiente sobre las técnicas, tecnología y lenguaje del video.
Tengo en mente varias ideas para realizar aparatos que reproduzcan ilusiones, la idea es utilizar las técnicas artesanales como: cerámica, ebanistería, estampa, entre otros.
Fue la primera clase de este curso y ya me enloquecí.
Me parece muy importante aprender a obtener imágenes, porque creo que la imagen es la base para estampar, hacer una animación, pintar, dibujar, esculpir.
Creo que la imagen se ha convertido parte de mi vida ya que con ella obtengo estampas, fotografías, etc., pero me gustaría aprender como saber que imagen aplicar con cada técnica.
Los antecedentes de imágenes en movimiento me despertó mucho interés ya que cuando escuche que el profesor menciono que el "teatro de sombras" que es un antecedente del esténcil; ya que es una técnica que aprendí y ahora es parte de mi tesis para la Escuela de Artesanías.
La tesis se trata del estarcido llamado también esténcil del inglés stencil, en francés se conoce como la técnica del "pochoir".
Es una técnica de impresión directo por estampado a través de una plantilla, puede ser sobre tela, papel y en la pared obteniendo con esto una imagen sobre un sustrato por transferencia.
El estarcido fue utilizada desde la antigüedad por China y Japón, originalmente usando cabellos humanos entrelazados, adheridos a siluetas de papel para construir un modelo portátil con un diseño aplicado directamente en forma serial al tejido, paredes, techos y de forma comercial, como instrumento para marcar embalajes.
Como artista visual mi expectativa en este curso es aprender muchas técnicas para aplicar en la elaboración de piezas artísticas. También espero adquirir la información suficiente sobre las técnicas, tecnología y lenguaje del video.
Tengo en mente varias ideas para realizar aparatos que reproduzcan ilusiones, la idea es utilizar las técnicas artesanales como: cerámica, ebanistería, estampa, entre otros.
Fue la primera clase de este curso y ya me enloquecí.
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